400人同台演出，“票房毒药”勋伯格在中国掀起热潮(组图)

　　“在音乐史上有两部史诗级的作品最为庞大，一个是被称为"千人交响曲"的马勒《第八交响曲》，另一个就是勋伯格的 《古雷之歌》。”为了说明《古雷之歌》何以成为“世界上最大的弦乐四重奏”，指挥家彼得·鲁策齐卡用了一组数字，“这个作品需要150多人的合唱团，136人的乐团，5位顶尖的独唱家，总共要有400多人同台演出。”

　　哪怕在欧洲，长达两个多小时的《古雷之歌》都是极少上演的庞大作品，只有极富财力的乐团才有实力将这部勋伯格的巨著搬上舞台。同样，在浩瀚如烟的唱片史上，也只有实力雄厚的唱片公司敢于筹集巨资录制这部作品。

　　“勋伯格从1901年开始创作《古雷之歌》，直到11年后，整部作品才算完成。”鲁策齐卡说，勋伯格开始创作时年仅27岁，1913年作品才首演，而历史上第一部《古雷之歌》的录音诞生时，勋伯格已经58岁。

　　如此一部庞大恢弘之作，在其诞生百年之后，终于在中国首演。10月22日，指挥家鲁策齐卡携上海交响乐团在上海首演《古雷之歌》，24日又携大部队在北京国际音乐节献上声势浩大的闭幕演出。

　　用今天的标准来衡量，勋伯格生前就是典型的“票房毒药”。这位勇于毁灭欧洲古典乐数百年悦耳传统的音乐怪才，尚在世时就已经臭名昭著，没人敢去他的音乐会现场聆听那些无调性、难以接受的音乐。他的音乐会现场常常出现的，总是人们愤而离席的场景。

　　有意思的是，在上海与北京的两场演出，中国乐迷带着好奇与期待，将演出现场变为一次热烈朝圣。上海音乐会上一票难求，而北京保利剧院在音乐会开演前就堵满了求票的黄牛，这种场面恐怕是勋伯格难以想象的。

　　艰涩的“抽象派歌剧”

　　走进音乐会现场，只需看看舞台上排列的十支圆号、六支小号、四支瓦格纳大号、六个定音鼓，以及站满舞台时黑压压的乐团与合唱团，就能明白这场音乐会注定是国内演出中难得一见的场面。

　　对上海交响乐团来说，《古雷之歌》是一场大考。乐团提前一年开始筹备排练，从全国借调30多位乐手加盟，又联合上海歌剧院合唱团、女声合唱团及爱沙尼亚男生合唱团、吕贝克合唱团，才算完成基础的阵容。

　　寻找到最合适的五位独唱音乐家也是极有难度的。《古雷之歌》虽是一部清唱剧，但更准确地说，这是一部演唱难度上不亚于瓦格纳歌剧的“抽象派歌剧”。

　　出演国王瓦尔德玛一角的奥地利男高音尼古莱·舒可夫，2006年因顶替多明戈演唱《帕西法尔》而登上国际舞台，是当今国际歌剧节重要的瓦格纳剧目演唱者之一。饰唱古雷堡公主多薇的德国女高音米凯拉·考妮也是拜罗伊特歌剧节常客，两位歌唱家都是可谓瓦格纳歌剧的名角。

　　“在全世界，顶尖的瓦格纳歌手是相当罕见的，全球只有几个人能唱好瓦格纳，像大熊猫一样宝贵。能凑齐这个团队，非常困难。”低男中音歌唱家沈洋说，当初接到邀约，他是颇有犹豫的，但得知演出阵容之强大，觉得这个机会恐怕是国内首次也是唯一一次。

　　站在指挥台上的鲁策齐卡几乎有被人群淹没之势。对他而言，要在48行天书一样繁密复杂的总谱中剖析勋伯格11年音乐思想、风格的跌宕变化，又要准确地指挥数十个声部完成细腻而华丽的音乐呈现，实在是对指挥技巧和敏锐听觉的考验。

　　《古雷之歌》的脚本来自丹麦文学家雅克布森的同名叙事长诗。这个传奇的北欧故事，讲述中世纪的瓦尔德玛国王与住在古雷的恋人多薇之间悲怆的爱。王后因妒恨两人的热恋，杀死多薇，悲伤的瓦尔德玛国王痛责神明，遭到惩罚，自此成为游魂，在世间徘徊不去，直到日出才获得安息。

　　爱、死亡、救赎与自然之力，这些主题是瓦格纳歌剧中常有的，在磅礴的《古雷之歌》中，能感受到瓦格纳式的歌剧张力。在第一幕两人互述衷肠的抒情旋律里，也能听到马勒的晚期浪漫主义风格对勋伯格的影响。

　　排山倒海的现场震撼

　　“《古雷之歌》写了11年，但在总谱上只有两个小时。”鲁策齐卡说，他能很清晰地在作品中窥见作曲家音乐观念的重要转折，“你能很清楚地看到，第一幕时的勋伯格带着晚期浪漫主义的痕迹，但到了第三部分说唱形式的出现，作曲家已经开启了他所追求的无调性音乐世界。在同一部作品上，不同风格的持续性结合得非常完美。”

　　《古雷之歌》总谱上的48行天书，就像解释勋伯格内心隐秘的钥匙。这部作品是一座特殊的桥梁，往前联系着浪漫派，往后又启示着21世纪的现代音乐。鲁策齐卡认为，“勋伯格创作的11年，是他逐渐远离浪漫主义的11年”，从总谱的规模上，勋伯格所写的复杂程度已经超过了马勒与施特劳斯，而描述爱之浪漫、死之悲悯的技法运用上，又超越了瓦格纳。

　　欧洲音乐延续数百年的调性传统，在勋伯格这里第一次被打破，而那个裂缝的起始处，就在《古雷之歌》中低男中音歌唱家沈洋的那段说唱。

　　“大地虚幻的夏之梦，很久以前就化为尘土了/但在越过无数树木的高处，风在更明亮的地方飘荡/因为那里美得像一场梦境。”在朗诵这些诗句时，沈洋低沉的男中音需要逾越并凌驾于大乐队之上。“勋伯格首创了作品中的诗篇朗诵。朗诵的节奏与音高很有难度，不能只是表达意思，还要掌控音乐的重音、韵律和节奏。”沈洋说，在中国首演的《古雷之歌》能有中文版的诗歌朗诵，对翻译者是考验韵脚的难题，对中国观众理解中世纪古诗的魅力却有极大帮助。

　　勋伯格留给世人的印象，是首创“十二音体系”的叛逆者和革新者。他粉碎了音乐的唯美悦耳，像是无端闯入古典世界的怪兽，把作品写得怪诞、暴烈又难听。但在《古雷之歌》中，勋伯格音乐观念的演变是渐进式的。从第一幕黄昏时分森林里的平静小号，到最终乐章的辉煌日出，全体合唱团以八个声部马力全开地唱响《太阳赞歌》，150人的乐队全部上阵，奏响C大调壮丽又恢弘的赞歌，排山倒海的气势下，音乐厅的棚顶几乎被掀翻。当所有音符停止，现场观众的耳膜还在超强的震慑中停顿。

　　英国乐评人诺曼·莱布雷希特曾说，“在新的世纪，勋伯格被视为与毕加索和乔伊斯一样改变了人类对艺术形式的认知。”《古雷之歌》在中国的首演，或许就像一把不可复制的钥匙，面对面开启中国乐迷对现当代音乐的认知，在酣畅淋漓之后，重新定义音乐中的秘密。